La evolución de la pintura de retratos – I

En este artículo, seguiremos la evolución del retrato a lo largo del tiempo: desde la faceta abstracta de la iconografía bizantina, pasando por la faceta del realismo, hasta la faceta distorsionada del expresionismo. Los retratos están sujetos a convenciones que difieren de una época a otra y de un lugar a otro. Según el grado de exigencia hacia la idea de particularidad asociada a la noción de retrato, podemos destacar numerosos ejemplos desde la antigüedad o negar su existencia hasta la aparición del género realista.

El retrato como género artístico (o pictórico) surgió relativamente tarde. En el arte rupestre, por ejemplo, aún no se podía hablar de retrato. Sin embargo, las primeras representaciones antropomórficas, por ejemplo en pinturas rupestres del sur de Francia y España, o incluso del norte de África, se encuentran, de forma totalmente excepcional, en figuras humanas —hombres y mujeres— estilizadas y esquematizadas al máximo.

En la cultura mesopotámica, la representación de la figura humana respondía a una necesidad práctica: expresar un espíritu positivo y activo, representando únicamente lo visible, de forma realista y utilizando una técnica bien desarrollada. El artista asirio buscaba principalmente representar un tema centrado en la alabanza del poder real, la valentía y la destreza del rey en la caza o la guerra. La figura humana permanece desprovista de vida interior: inmóvil, impasible, cerrada, monótona.

El arte del Antiguo Egipto es hermético, cerrado a cualquier sugerencia externa. En la pintura de retratos encontramos los mismos principios que en el bajorrelieve: la combinación de la vista frontal del cuerpo humano con la vista de perfil; la calma, la serenidad y la solemnidad de las expresiones. El propósito artístico de todo el arte egipcio es oponerse a la personalización, y en cuanto al propósito externo de los retratos egipcios, procedentes de tumbas, se basa en representaciones de la vida después de la muerte.

Los retratos minoicos (cretenses) se ejecutaban con un estilo tan vívido, desprendiendo una atmósfera rococó, que nos transportan a la época moderna.

En el arte griego antiguo encontramos pocas referencias al retrato, pero los griegos fueron los primeros en representar conscientemente a su hombre ideal. Fueron ellos quienes hicieron posible la estructura de pensamiento que hoy conocemos como humanismo.

Un lugar especial en la historia del retrato lo ocupan las expresivas pinturas de Fayum sobre tabla de madera, realizadas con la técnica de la encáustica, entre los siglos I y IV. Con ojos grandes y dolorosamente expresivos, contemplan con calma, durante siglos, efigies de seres aún jóvenes. Aunque similares, poseen características que los individualizan, dependiendo de la visión de cada maestro anónimo que empleó su talento, nivel artístico, espíritu crítico, sensibilidad y conocimientos adquiridos en diversas técnicas pictóricas.

El retrato romano también es único en comparación con el de otras culturas antiguas, gracias a la pervivencia de una importante cantidad de obra, así como a una compleja y continua evolución estilística en la representación del carácter humano. La mayoría de los retratos romanos representaban la individualidad del sujeto de forma honesta pero tenaz, desde los recovecos del cráneo hasta las mandíbulas caídas, y la imitación de la carne y el hueso era notable. Algunos retratos incluso poseían una mirada penetrante, acorde con los rasgos marcados por la experiencia, tanto interior como exterior, de cada individuo retratado. El retrato se manifestó con mayor claridad en la escultura que en la pintura.

El arte bizantino impuso sus propios cánones, influenciado en su evolución por el arte grecorromano, oriental y egipcio gracias a su rigor específico. Las características específicas de la pintura bizantina son: el abandono de la ilusión espacial, la ausencia de volumen y peso en los cuerpos, la indiferencia hacia la precisión anatómica, la repetición intencionada de gestos, la perspectiva "moral" que otorga a los personajes una altura acorde con su importancia, el predominio de la frontalidad, una especie de distanciamiento hierático de las figuras, las largas filas de personajes y el uso de tonos planos. Nos encontramos ante un arte que busca, sobre todo, instruir a los fieles.

En el Renacimiento, se produjo una profunda transformación en el sistema de representación pictórica del espacio, determinando el surgimiento de un nuevo tipo de relación entre el hombre y el universo, dando lugar así a una desacralización del espacio metafísico medieval y a un enfoque secular del espacio físico real. Al estudiar el retrato renacentista, observamos la predilección de los artistas, primero por la representación del busto, luego por el retrato con las manos, elocuentemente representado, después por el retrato hasta las rodillas y, finalmente, por la figura completa. Al principio, el personaje retratado parece desconectado del lugar y el entorno, pero más tarde se convierte en un ser familiar y autónomo, al enriquecer el fondo con un paisaje o un interior. Cuanto más integrado se muestra el modelo retratado en su estatus y profesión, Cuanto más se acentúa la categoría social, más intensa es la impresión general que deja el retrato. Al principio, los pintores preferían la fisonomía masculina, pero posteriormente también se acercaron a la femenina, permaneciendo, finalmente, el enfoque en el rostro infantil, representado con mayor frecuencia en retratos familiares.

La pintura barroca intentó profundizar cada vez más en la exploración del ser interior del hombre, priorizando los contrastes de luz y sombra, la combinación de reflejos y la disposición de pigmentos en forma de manchas yuxtapuestas que difuminan cualquier contorno. Por lo tanto, la pintura debe contemplarse desde la distancia para que las manchas de color se fusionen en la mirada, sugiriendo una imagen más fluida y vivaz, en comparación con la firmeza cristalina del lenguaje del Renacimiento. El retrato barroco se caracteriza, ante todo, por la verosimilitud.

Sin embargo, después de 1800, el neoclasicismo tuvo como figura destacada en el campo del retrato a Jacques Louis David (1748-1825). El retrato lleva a David hacia su naturaleza profunda, hacia la observación y la expresión enérgica de la realidad.

También durante este período nació el retrato psicológico, como lo demuestra la obra del gran retratista de la pintura española: Francisco José de Goya y Lucientes (1746-1828). Sus retratos se manifiestan abriendo todas las posibilidades que implican los matices de la psicología individual. Cabe destacar que sus personajes son como maniquíes perfectamente sustituibles entre sí. Sus figuras son como máscaras.

El período romántico en la pintura tiene en primer plano a Eugène Delacroix (1798-1863), un romántico apasionado en su juventud. Evoluciona hacia un clasicismo sereno, sin negar nada esencial; se interesa por la vida del alma y el espíritu.

Los pintores románticos se expresaban no solo a través de la melancolía, sino también a través de la violencia y la pasión, no en la acción, sino en el acto de pintar. El retrato romántico tiene algo de congelado, reflejando esa parte del "rostro" de la sociedad que se opone al arte. Se crea así un mundo de representaciones imaginarias, pero literarias por excelencia.