La evolución de la pintura de retratos - II

El enfoque del retrato en el siglo XIX comenzó a plantear problemas diferentes a los anteriores, llegando al punto de cuestionar la propia noción del retrato. Con la llegada de la fotografía, que no hizo más que marcar la necesidad de preservar la imagen de cada persona en todos los estratos sociales, el retrato también se ve condicionado por el desarrollo técnico de la pintura. Para todas las tendencias del siglo XX, la profunda deformación y desmembramiento de las formas humanas, la aniquilación del rostro humano integral, se volvió característica.

En el siglo XX, asistimos a una verdadera avalancha de estilos, que se sucedieron con una rapidez vertiginosa.

Después del Romanticismo, surgió el realismo, que, sin embargo, tuvo pocas repercusiones en el arte del retrato, creando un vacío en este sentido en su momento, pero aún podemos hablar de los retratos de Ingres (1780-1867) y Courbet (1819-1877).
El impresionismo marcó el nacimiento del arte subjetivo. La individualidad u originalidad del sujeto ya no importaba, sino la personalidad del artista, quien imprimió su huella única y específica en la obra. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) trató el retrato como un soporte para la imaginación, no como algo directamente transferible al lienzo. Sus desnudos resultaron inquietantes para sus contemporáneos, pues la forma del cuerpo parecía anulada por la alternancia de luces y sombras proyectadas sobre el busto femenino a través de la densa pantalla de follaje.

La creación pictórica de Gauguin (1848-1903) nos lleva a un análisis del simbolismo, cuya poética impuso una nueva visión del arte y del mundo. Optó por representar su propio espíritu, una representación simbólica de su propio destino, manteniéndose conservador en cuanto a la forma. Gauguin crea así una nueva tradición al utilizar como soporte permanente cualquier representación figurativa de línea y superficie. Gauguin comprendió la belleza del mito primitivo y lo exótico.

Gracias a su pasión por el retrato, Modigliani (1884-1920) logra dotar a la obra de un carácter psicológico mediante algunas simplificaciones y acentos, componentes de un estilo sencillo y personal: el cuerpo, el busto y los rasgos faciales se alargan de forma antinatural pero elegante, y los ojos son almendrados, con las órbitas vacías, como agujeros negros con una mirada ciega y clásica, evocando la vestimenta de las estatuas y bustos antiguos.

Vincent Van Gogh (1853-1890) allanó el camino para la corriente artística de contenido, el expresionismo moderno, con diferentes continuaciones, algunas francamente contradictorias. El lenguaje de su pintura está moldeado por sentimientos y sensaciones. En el último período de su vida, sufre un terrible trastorno, una especie de embriaguez de trabajo, y la inquietud y el ardor llevan su mano al lienzo durante este tiempo. A través de su agitación interior, la realidad de las cosas externas se deforma. Así, en ese uso violento y psicológico del color reside una de las claves del subjetivismo moderno: la ley del color naturalista de los impresionistas ha caído.

Uno de los principios del expresionismo era que, en sus figuras, el pintor no solo expresa su interior, sino también se expresa a sí mismo. En El Grito (1893) de Edvard Munch (1863-1944), la deformación humana alcanzó un límite desconocido para la época, llenándose de conmoción y terror. Munch representa la del clarividente inspirado que prevé el destino trágico, la inevitable caída de la sociedad.

El cubismo trata el cuerpo humano o el retrato, compartimentándolo, facetándolo, alcanzando una división de la superficie que ya no permite la distinción entre «figura» y «fondo».
En las obras de Juan Gris (1887-1927) el sujeto humano ni siquiera está presente; solo se reproduce la estructura proporcional del espacio de planos coloreados, de modo que los objetos o la figura humana adquieren un carácter simbólico y emblemático en relación con el espacio. El elemento que produce la síntesis es la luz, que revela los objetos y da la medida de los valores cromáticos, como el tono.

En René Magritte (1898-1967), el pintor surrealista, los personajes no se constituyen como sujetos en sí mismos, sino como participantes del imaginario de toda la pintura. En su obra, el retrato se constituye como un medio de reflexión sobre la representación. Inspirado en una fotografía de Man Ray, Magritte plantea la idea de la "falta del retrato".

Un ejemplo de la singularidad de la pintura de Francis Bacon (1902-1992) serían los retratos. Conservan la semejanza, pero no tienen nada en común con lo que podríamos llamar el aspecto ilustrativo de la imagen. Se trata de lo que el pintor llama la alteridad de la forma, su capacidad de cambiar durante su composición. De las imágenes emerge una inercia de la carne que parece descender de los huesos, mientras que las vastas superficies de color parecen envolver las figuras.

Jean Fautrier (1898-1964) tiene una forma especial de abordar el retrato, al pintarlo como si estuviera compuesto por diferentes "trozos de materia, inertes y fragmentados". El arte no dio una connotación específica a los rostros pintados ni identificó al sujeto, simplemente llamándolos "rehenes", a menudo seguido de un número, al igual que los rehenes sin identidad. Fue uno de los primeros en utilizar la técnica de la "pasta espesa".

El hiperrealismo es una combinación de pintura, escultura y fotografía de alta resolución. Chuck Close (n. 1940) crea retratos a gran escala con gran perfección técnica y atención al detalle. Construye los retratos de tal manera que parecen una mezcla de bellas artes y fotografía. Sin embargo, todo se reduce a un acto libre, del que solo se conserva el mecanismo técnico de ejecución, una copia de una imagen preexistente, mediante una acción meticulosa y sin emociones.

Andy Warhol (1930-1987), el artista pop, representa en sus obras series de retratos de personajes famosos, como los de Elvis Prestley y Marilyn Monroe, pero también con un ciclo dedicado a Mao. Con la obra Gold Marilyn Monroe (1962 - Nueva York, Museo de Arte Moderno), Andy Warhol explotó al máximo la imagen de las personalidades y estrellas de Hollywood, elevándola a la categoría de ídolo.

Concluyo este recorrido por la historia de la pintura de retratos con la artista estadounidense Jenny Saville (nacida en 1970), quien ilustra en sus obras la tendencia de la sociedad actual, a menudo obsesionada con la apariencia física. Crea imágenes crudas e íntimas del cuerpo humano. Sus pinturas son expresivas y honestas, y a menudo representan mujeres obesas, rostros desfigurados, mujeres dando a luz, etc.