Iconos bizantinos: El arte espiritual de la luz y la devoción.

Los iconos tienen su origen en retratos pintados de la antigüedad grecorromana. Los gimnasios griegos exhibían retratos de magistrados, y entre los romanos la tradición de los retratos oficiales y funerarios estaba muy desarrollada. Posteriormente, los cristianos adoptaron las costumbres de la sociedad en la que vivían. Comenzaron muy pronto venerando imágenes de mártires. En la primera mitad del siglo V, existían iconos que representaban a Cristo, la Virgen María, Pedro y Pablo, pero también a otros santos y mártires. Muy pronto, estas imágenes se convirtieron en objeto de verdadera adoración, atribuyéndose incluso virtudes benéficas. En la segunda mitad del siglo IV y en el siglo VII, el culto a los iconos se desarrolló aún más, al establecerse la piedad hacia las reliquias. En aquella época, la imagen religiosa se consideraba una mediadora muy eficaz ante Dios. A algunos de estos iconos incluso se les atribuía un origen sobrenatural. “Las creencias relacionadas con los iconos determinaron también su estilo: fidelidad a los arquetipos por el cuidado de la semejanza con el modelo, voluntad de traducir la vida interior a través de la apariencia exterior; de ahí esa mezcla de individualización y estilización, que proviene de la tradición de los retratos romanos tan vivos, pero que tiende a la simplificación, para producir un efecto espiritual.” [1] Deteniéndonos a analizar un icono de la Virgen María sosteniendo al Niño en su brazo derecho, datado en algún momento entre los siglos V y VIII, notamos una precisión del dibujo, ampliamente delineado y depurado con un fino colorido. La figura ya no se concibe como un volumen redondeado, sino como un conjunto de varias superficies claramente dibujadas […]. Delicados colores se extienden entre las líneas de contorno: a veces un rosa brillante, pero con mayor frecuencia sombras verdes lechosas, dispuestas arbitrariamente para resaltar el relieve de la nariz y la barbilla o enfatizar los ojos, sin que el pintor se haya molestado en considerar de dónde provenía la luz. Esta obra debe buena parte de su espiritualidad a la vaporosa materia pictórica. (…) Estas deformaciones dan al rostro la apariencia de una obra moderna, que se relaciona con el estilo de Modigliani o Matisse” [2]. La Virgen María se representa iconográficamente en diversas poses en el trono, como una emperatriz; guiando, triunfante, con el Hijo sobre sus rodillas o amamantándolo. Esta última pose es la más repetida en la pintura occidental.

La posición del personaje es siempre frontal. La figura del santo fue alargada y, por lo tanto, desmaterializada y arrancada del suelo. Se colocó sobre un fondo dorado, que la alejó del espacio real, elevándola por encima de la realidad. Este aislamiento del mundo se vio intensificado por la coloración antinatural de la pintura. Incluso los fragmentos de la naturaleza, montañas o plantas, a veces representados en iconos, se redujeron a formas geométricas o cristalinas, y también se desmaterializaron, dando la impresión de pertenecer a otro mundo. [3] Las figuras de los ángeles también están sujetas a normas iconográficas precisas, inspiradas en la cosmogonía neoplatónica. Aparecen vestidos con cotas de malla y túnicas de brocado, armados con espadas. La composición dominante fue la construcción frontal y la perspectiva inversa, para que la atención del espectador se dirigiera al punto focal del contenido espiritual: la mirada del santo, siempre fija en quien ora. Para el pintor, la cabeza es la que lo determina todo. El resto del cuerpo está subordinado a ella y apenas se nota bajo las vestiduras. La perspectiva inversa, mediante la cual se colocaban objetos y figuras de mayor tamaño al fondo, buscaba atraer al creyente hacia el icono. La composición y la expresión de la pintura carecían de tensión y brío; la estática de la imagen exigía una inmovilidad casi equivalente en el ascetismo hacia Dios.

En los siglos XI y XII, predominaron el estilo lineal y los fondos dorados, con las figuras pintadas de frente, con actitudes estáticas y una expresión severa y ascética. En los dos siglos siguientes, los iconos portátiles de mosaico experimentaron un gran desarrollo. También fueron muy populares los iconos que representaban escenas de la vida de los santos, enriquecidos con innumerables detalles de la vida cotidiana; el tratamiento, más libre y natural, las figuras representadas se vuelven menos rígidas, respetan las proporciones anatómicas y muestran mayor naturalidad en actitud y movimientos.

Bajo el Paleólogo, la pintura bizantina —implícitamente iconos— adquiere la impronta humanista característica del renacimiento intelectual de ese período. La gama cromática es más clara, rica en matices, compuesta por una combinación de colores muy brillantes pero también de delicados semitonos. Por lo tanto, podemos afirmar con plena justicia que el arte bizantino despertó el interés de los pintores venecianos, quienes siempre lo consideraron una gran "escuela de pintura".

Podemos concluir que los iconos "... añadieron una característica propia: la espiritualización de los rostros, transfigurados por la práctica de la meditación y la contemplación. Iluminados por la visión de Dios, se ref "Contempla con intensidad la vida interior. Las frentes serenas están hechas para albergar pensamientos elevados." [4]